La II edizione della Festa Internazionale del Cinema ha avuto come protagonista il tappeto rosso dell’Auditorium di Roma. Dove Star e starlette hanno sfoggiato mise succinte e fruscianti chiffon, nonostante il tempo, per niente generoso, abbia regalato brividi imprevisti e gelide atmosfere.
Sophia Loren – Acting Award 2007
Nel frattempo, sotto i portici dell’Auditorium, più che aria di festa si è respirata stress da presenzialismo. Con toni “rossi” da lotta all’ultimo sangue! Il “grande” pubblico e gli “addetti ai lavori” hanno rincorso le proiezioni, disposti a tutto per un biglietto. Per assistere all’anteprima de La terza madre, episodio conclusivo della trilogia di Dario Argento, sembra non siano stati sufficienti neanche i bagarini ma si sia dovuto ricorrere alla raccomandazione politica! Welcome to Rome.
Tra i quattordici film in concorso, concorso quest’anno all’insegna del socialmente e politicamente impegnato, ha vinto Juno del canadese Jason Reitman. La storia di un’adolescente alle prese con una gravidanza indesiderata ha suscitato un’ondata di emozioni nella giuria popolare.
Il premio speciale della giuria Cinema se lo aggiudica, con le sue peripezie amorose, il poeta persiano Hafez del regista iraniano Albolfazl Jalili.
A Jang Wenli va il premio per la migliore interpretazione femminile in Li Chun (And the Spring Comes) di Chang Wei Gu mentre, a Rade Serbedzija va quello per l’interpretazione maschile in Fugitive Pieces di Jeremy Podeswa.
Per fortuna le dieci anteprime mondiali hanno, in parte, risollevato il livello della manifestazione romana.
Piace e convince il musical pop-psichedelico Across the universe in cui Julie Taylor, attraverso la musica dei Beatles, racconta i rimescolamenti socio-politici degli anni ’60, a metà tra cinema e teatro.
L’ottimo Into the wild di Sean Penn ha vinto il premio Fastweb per il miglior film della sezione “Première”. Penn, pur seguendo il tradizionale filone dell’ on the road, con questo viaggio alla riscoperta del sé, non rinuncia alla sperimentazione e riesce a lasciare un segno profondo tanto che è suo il più lungo applauso della festa.
Applausi anche per Giorni e Nuvole di Soldini che, con l’attuale tema del precariato nel mondo del lavoro, riceve una “menzione speciale” nella sezione Première. Ed è proprio sul versante del “Made in Italy” che arriva l’unica vera onda d’entusiasmo: sono le trendissime fatine Winx che fanno letteralmente impazzire gli amanti, grandi e piccini, del cinema.
Così si chiude la faticosa settimana della Festa romana, fontane che si colorano di rosso, in un impeto futurista, e Jane Fonda che svela al pubblico femminile il segreto dell’eterna giovinezza: il sesso, da sostituire al bisturi.
What is an arcade? In its classic sense, the term denotes a pedestrian passage or gallery. Benjamin quotes a passage from the Illustrated Guide to Paris of 1852:
“These arcades, a recent invention of industrial luxury, are glass-roofed, marble-panelled corridors extending through whole blocks of buildings, whose owners have joined together for such enterprises. Lining both sides of the corridors, which get their light from above, are the most elegant shops, so that the arcade is a city, a world in miniature, in which customers will find everything they need”. (Arcades Project, 31)
The arcades are, certainly, a “primordial landscape of consumption”. Their shop-windows with agglomerations of discrete objects seductively displayed, also represented the apotheosis of the commodity as fetish, temples built for the apotheosis of the commodity, yet at the same time offered the passer-by images of a dream-world beyond the confines of the existing society: the “desire for pleasure” becomes a “form of resistance”. And social vision.
To celebrate the opening of new Hermès Boutique within Selfridges‘ new Wonder Room at Oxford Street, artist Beth Derbyshire created an object of wonder.
The installation consists in two large magic lanterns, installed into the Hermès‘ window until the end of October. These lanterns, one moving clock-wise and the other anti-clock-wise contain hidden message, emitted through light projections :
The following are the quotations as they appear clockwise:
- TO WONDER IS TO BEGIN TO UNDERSTAND (José Ortega y Gasset)
- MAN HAS TO AWAKEN TO WONDER (Ludwig Wittgenstein)
and anti-clock-wise:
- TO UNDERSTAND IS TO BEGIN TO WONDER
- TO WONDER MAN HAS TO AWAKEN
As the lanterns revolve like a Thaumatrope , the sentences keep running back again, and reappearing with a distinct grammatical break, while the persistence of vision and the broadcasted soundscape unfold a fluid space in time to discover further narrative interaction. New language-games, as we may say, come into existence.
Plato calls “wonder” (thaumazein) the origin of philosophy. Aristotle speaks of aporia at Metaphysics: He regards Aporia not only as the beginning of philosophical inquiry, but, as importantly, also as the method by which the inquiry proceeds.
Beth Derbyshireaporetic installation expands beyond the viewing or auditory space : It explores public/personal desire placing individual expression/messages in the urban/outside space of a World of passers-by. The vision becomes an impasse experience: A “Social Event”, that happens in between.
The Chicago retailer Gordon Selfridge opened his English store in 1909 and extended it westwards in the 1920s, doubling its size. The Americanised classical style denoted commercial confidence, permanence and grandeur. London had seen nothing like it before.
When I saw Albert Reyes’s video on youTube I though about Pollock’s rhythmic use of paint and his drip technique: He would poke a hole in the bottom of a tin can of paint to get an extended drip line. Pollock’s technique of pouring and dripping paint is thought to be one of the origins of the term action painting . Another dripping is the Shigeko Kubota performing her Vagina Painting, at Cinemateque, during Perpetual Fluxus Festival New York City . The most visible aspect of those “body art movements” was the irreverent style.
The roots of this “utterance” lie in early 20th-century Fururistic rebellions and Cubist experiments with mixed media, further accomplished Dada performances. However, the antecedent of performance art, can be found in the happenings of the late 1950s and the 1960s : Fluxus performances were usually brief and simple. Event scores such as George Brecht’s “Drip Music”, are essentially performance scripts consist of descriptions of actions to be performed rather than dialogue.
First performer on a tall ladder pours water from a pitcher very slowly down into the bell of a French horn or tuba held in the playing position by a second performer at floor level
Fluxus happenings and performances have progressily incorporated vary elements as electronic music, song, dance, television, film, sculpture, spoken dialogue, and storytelling.
Albert Reyes has been known to spit art on his hands and knees with a mouth full of beer in the middle of the street which tackles both performance and graffiti art inspired not only by street art, comic books, and American pop culture; but also by icons of corporate America to Hollywood stars to mass media to politics to consumerism. Toward a new Refluxus? http://pimplywimp.com/
Hamlet is a tragedy and revenge play by William Shakespeare. It is one of his best-known works, and also one of the most-quoted writings in the English language.[1] Hamlet has been called “Shakespeare’s greatest play”[2] and it is universally included on lists of the world’s greatest books.[3] It is also one of the most popular of Shakespeare’s plays, judging by the number of productions; for example, it has topped the list at the Royal Shakespeare Company since 1879.[4] With 4,042 lines and 29,551 words, Hamlet is also the longest Shakespeare play.[5]
Who’s there?” asked Barnardo.
“No, you answer me. Stop and identify yourself!” demanded Francisco.
“Long live the King!”
Hamlet/o is an impossible tragedy and revenge play by Hamlet/Babsi Jones.
Pol. How say you by that? Still harping on my daughter:
yet he knew me not at first; he said I was a Fishmonger:
he is farre gone, farre gone: and truly in my youth,
I suffred much extreamity for loue: very neere this. Ile
speake to him againe. What do you read my Lord? Ham.Words, words, words
King. What do you call the Play? Ham. The Mouse-trap: Marry how? Tropically:
This Play is the Image of a murder done (not only) in Vienna Ham. The body is with the King, but the King is not with the body. The King, is a thing-
Mi strappo l’orologio dal petto che era il mio cuore.
Nikad nemoj da se vracas
kad vec jednom u svet krenes
Nemoj da mi nesto petljas
Nemoj da mi hoces-neces.
I ja bezim bez povratka.
Nikad necu unatrag.
Sta ti znaci staro sunce,
stare staze,
stari prag?
Tu je ono za cim moze da se pati
Tu je ono cemu mozes srce dati.
Al’ ako se ikad vratis
moras znati
tu ces stati
I ostati.
Ocima se u svet trci
Glavom rije mlako vece
Od reke se dete uci
ka morima da potece.
Od zvezda se dete uci
da zapara nebo sjajem.
I od druma da se muci
i vijuga za beskrajem.
Opasno je kao zmija
opasno je kao metak
da u tebi vecno klija
i carlija tvoj pocetak.
Ti za koren
nisi stvoren
Ceo svet ti je otvoren.
Ako ti se nekud zuri,
stisni srce i zazmuri.
Al’ kad podjes – nemoj stati
Mahni rukom.
I odjuri.
Ko zna kud ces.
Ko zna zasto.
Ko zna sta te tamo ceka.
Ove su zelje uvek belje
kad namignu iz daleka.
Opasno je kao munja
opasno je kao metak
da u tebi vecno kunja
i muci se tvoj pocetak.
Ti si uvek krilat bio
samo si zaboravio.
Zato leti.
Sanjaj.
Trci.
Stvaraj zoru kad je vece.
Nek’ od tebe zivot uci
da se peni i da tece.
Budi takvo neko cudo
sto ne ume nista malo,
pa kad krenes – kreni ludo,
ustreptalo,
radoznalo.
Ko zna sta te tamo ceka
u maglama iz daleka.
Al’ ako se i pozlatis,
il’ sve tesko,
gorko platis,
uvek idi samo napred.
The big exhibition has no form. Una grande mostra non ha forma. Così Roger Buergel e Ruth Noak aprono il catalogo della dodicesima edizione di Documenta a Kassel in Germania. Una mostra dislocata in diversi punti della città per una topografia – questa volta organizzata – di un fenomeno globale e atemporale denominato arte.
La pianificazione strutturale, amministrata mediante un sito web – in modalità blog e un forum di magazines , si annuncia prepotentemente nella rampa di scale che accede al primo piano della Kunsthalle Fridericianum : il quadro di Klee che s’intitola Angelus Novus. Un angelo che sembra in atto di allontanarsi da qualcosa su cui fissa lo sguardo. Ai suoi piedi un cumulo di parole di filosofia della storia di Walter Benjamin, che lo descrivono: “Ha gli occhi spalancati, la bocca aperta, le ali distese. L’angelo della storia deve avere questo aspetto. Ha il viso rivolto al passato”.
Un angelo che accumula rovine su rovine e non riesce a ricomporre l’infranto. Poiché la tempesta che lo spinge nel futuro, a cui volge le spalle, è continua, nel mentre il cumulo delle rovine viene risucchiato al cielo. Senza tregua.
Effetto Documenta 12.DraftReview
Ist die Moderne unsere Antike?
Il moderno può essere illuminato solo mettendo in chiaro i suoi lati distruttivi. E con Documenta 12 la questione distruttiva si fa decisamente seria.
Poiché le rovine fanno spettacolo, ma il dramma è quotidiano. Diastatico. A partire dal paesaggio museale che si presenta frammentato ma in chiave costruttiva, fuori da un atteggiamento nostalgico. Si è contemporaneamente fuori e dentro un orizzonte di senso comune. Asimmetrico.
Così rileggo la grande mostra con la carta del passaggio geografico, del limite – al limite – una soglia, una sutura. Nel miglior caso un intreccio ed un patchwork, dove i curatori danno miglior prova di arte saracina. Tantissimi gli esemplari di questa tessitura. Tante le “dissidenti” : Trisha Brown e le sue contorsioniste dell’essere, l’irruenta Graciela Carnevale, le recite di Elenor Antin e Lotty Rosenfeld che disegna milla de crucis sobre el pavimento a Santiago de Chile, prima di filmarle nel 1978. Lavori femministi anche quando accoppiati, come per gli esperimenti fotografici con il figlio dei Kwiekulic o come nel video di Tseng Yu-chin, dove il bambino diviene l’emblema di una infanzia perduta.
Saracini i rimandi a tappeti, arazzi e collage: più espliciti nel lavoro di Danica Dakić e di Ahlam Shibli , più raffinati negli acquarelli intrecciati di Atul Dodiyadove le tinte che si asciugano piano sulla carta, data l’umidità del clima indiano, accolgono gli incerti poemi, intrecciando un tempo ed un spazio localizzati che l’incerto linguaggio trattiene. Un tessuto sonoro che si perfeziona con l’installazione di Imogen Stidworthy I hate dove il linguaggio disegna l’esitazione. La stessa che appare sul volto in attesa di Jiri Kowanda o di Richter.
Presente anche Electric Dress di Tanaka Atsuko, prototipo iki di rottura mediale. Meno interessante invece il lavoro plastico di Iole de Freitascon tutta la retorica del (non) site specific solo perché prosegue sulla facciata del Fridericianum…
Impossibile fermare la continua migrazione della forma: arte in movimento e di movimento, e forma atta a muoversi come nel video dell’action painting, anzi action (china) walling del cinese Lin Yilin. Un video che riprende l’artista nel mentre attraversa una strada costruendo un muro, utilizzando gli stessi mattoni.
Al tema della mobilità e della raffinata ricomposizione murale si allinea anche una certa impossibilità di togliere questo muro, che invece scorre e co-appartiene allo sguardo culturale. Lo sguardo stesso è il muro. Mentre l’arte è cinetica.
Tagli, strappi, corde e lacci: non sfuggono a questo incendio della modernità neanche i curatori che si ritrovano intrappolati nei fumi della stessa questione. La catastrofe dell’universalismo, la violenza, la violazione dei principi di libertà mostrano infatti come la modernità e il colonialismo vanno di pari passo. Ist die Moderne unsere Antike?
Non resta che prendere coscienza dell’ambiente circostante, seduti su una delle 1001 sedie di dinastia Quing (1644-1911) importate da Ai Wei Wei . Oppure masticando una gomma come per Alina Szapocznikow e la serie di foto Chew well and look around . Una scultura che passa tra i denti. Nella pausa si rumina tempo.
Tra gli architetti del senso comune: Andrei Monastyrski costruisce una Fountain con un vuoto al centro come un orinatorio svuotato di senso. Harun Farockimette in gioco la relazione spingendola sul fondo: Deep play smaschera il controllo mediatico attraverso l’analisi di una finale di calcio. Altro che telecomando! Impressionante il video Them di Zmijewski, dove l’artista polacco crea una laboratorio di idee contrastanti sulla tematica dell’aborto con l’obiettivo di arrivare ad una catarsi nel gioco dell’arte. L’esito è drammatico ma esilarante. Forte la sempreverde analisi dei luoghi di potere nella foto di Anatoli Aosmolovsky, (auto)ritratto sulle spalle di Mayakovsky tanto per sottolineare il rischio di amnesia continua rispetto ai poteri invariati. Fino a culminare nel Top Secret di Nedko Solakov: la verità è criminale. Suspanse.
La vita nuda. A partire da un effetto serra. Si esce dagli ambienti chiusi per ritrovarsi assaliti dalla natura dell’artificio. Come per l’installazione di Sanja Ivekovic, Poppy Field (Mohnblumenfeld). Ennesima serra, questa volta a cielo aperto. Esposizione di vita nuda. Piazza rossa e pista di atterraggio. L’esclusiva giostra politica gira in tondo mentre la stretta di mano diventa un mero contatto meccanico. Presto atterreranno anche le donne afgane.
Documenta Halle esibisce una intensa installazione di Maja Baievic in disparte, nel sottoscala, mentre nel corpo centrale i favoriti sul mercato della manifestazione: da Juan Davila esibito come un ex voto, a Jurgen Stollans che a sua volta immortala in un grande disegno il nome del curatore. Caput mortuum e arte domestica.
Unica eccezione: il Phantom truck di Inigo Manglano-Ovalle in ombra. Un signore però ci sbatte la testa.
Nel mezzo del salone, la stella della catastrofe: la giraffa impagliata (male)e importata dall’austriaco Peter Friedl.
Ecco la vita nuda. Fragile. Consunta come un divano vecchio. Che fa apparire invano tutto il resto. A parte il pane quotidiano di legno.
Al (Aue -) Pavillon.
L’effetto Documenta-serra si rinserra al Crystal Palace. Sul quale si è riversata una tempesta di critiche, più interessanti per l’aspetto modale, ossia per l’attesa delusa che per il (non) contenuto. Ma cosa ci si aspettava? Mi dissocio dalle critiche inutili.
Efficace invece la tempesta di vento destinata ad abbattersi sul template di Ai Wei Wei. Rotto l’incanto, un mucchio di macerie giace negli occhi e ai piedi. Emblema di modernità. Vuota la forma di ciò che chiamiamo progresso.
Was tun?
Il padiglione diventa la rappresentazione della vita, questo campo di concentramento dove l’arte dissolve la separazione tra soggezione dolorosa e gioiosa liberazione. Per riscoprire una dimensione estatica. Ma anche di una educazione pubblica attraverso l’immagine e costituzione di una sfera politica.
La migrazione della forma continua. E si associano i lavori. Complice l’atmosfera onirica. E il Repetita Iuvant dei curatori. Notevole l’ubiquità di Kerry James Marshall a partire da Could this be love, fino ad AKA Black Johnny. Non c’è più distinzione tra forme vegetali e messaggi verbali. Il mondo diviene una selva di significati.
Quadri come blues dove la musica ha una qualità pittografica instaurando rapporti con segni astratti impressi oltre alla rappresentazione e al nome. Una qualità astratta che ritorna anche nei lavori di John Mckraken. Anche per una certa psico-delia dove il colore diviene piega geometrica. E in Charlotte Posenenske. Più emotivo il lavoro di Bill Kounelany, un (altro) muro ordito che imita le ferite cicatrizzate.
La mostra si sfoglia come un libro: una strada a senso unico che ti porta a rimirare, e almeno un giorno dopo il Castello di Wilhelmsöhe.
Non nascondo che il videocarioca Funk Staden di Maurício Dias e Walter Riedweg mi sia piaciuto molto. Sublime e sciatto. Così come l’allestimento delle opere che si snoda buio al centro, e su tre piani, serpeggiando tra i Tiziano, Rubens e Renoir. Da far venire un colpo.
La negresse come Bild.
Una Bildung attraverso gli (oscuri) passaggi atemporali prosegue nel parco. Mens sana in corpore sano. Così ci si arrampica per le migliaia di scalini per vedere l’installazione di Allan Sekula.
In salita. Folle pellegrinaggio nell’impensato.
Una grande mostra non ha forma. così la sua recensione. Per finire qualche ennesimo sprazzo sui lavori che hanno incarnato forse tutti gli aspetti di questa edizione – la riflessione sul linguaggio, il movimento astratto,
la condizione femminile come termometro di democrazia,
la pulsione onirica che sempre incombe come perdita di realtà,
la spoliazione storica:
La Ballata di Mary Kelly con la casa narrante e i suoi muri graffiati su cui rileggere la storia di una censura storica chiamata femminismo:
Sublime la narrazione di Amar Kanwar: c’era una volta il massacro delle donne indiane. 8 schermi per 8 proiezioni quasi simultanee. Una fantasmagoria vicina al reale per trasfigurare l’orrore ed “oltrepassarlo” in una nuova visione “surreale”. Magari al Gloria Kino:
It is doubtful if cinema is sufficient for this; but, if the world has become a bad cinema, in which we no longer believe, surely a true cinema can contribute to giving us back reasons to believe in the world and in vanished bodies.(Gilles Deleuze)
Documenta 12 è stata certamente espressione di una presa di reale che avviene solo come passaggio, mostrando gli aspetti di perversione del capitalismo globalizzato e riconducibile propriamente ad un modello di utopia. Voracità massima. Questa volta realizzata come ipervisione. Eccessiva. Del resto una grande mostra non ha forma. Retake with evidence..
As a college educator I am tasked with preparing today’s students for their future careers. Implicit is that I should know more about the future than most people. I do not - at least not in the sense of specific predictions. But I can suggest some boundaries on the path forward. Let’s start with the three Laws of Future Employment. Law #1: People wil […]
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